📌 起源和背景
西洋繪畫從文藝復興時期一直到19世紀中葉，都是走寫實路線，不注重時空、距離、光線等因素對畫中世界色彩的影響，著墨每一個細節，不過當寫實技巧達到頂峰後，部分畫家對這種畫風提不起勁，想要突破尋求創新
光色散 牛頓發明的原理，光線透過三菱鏡可以散射出許多顏色 ➝ 印象主義建立在科學理論上
相機問世 快門按下時會捕捉到一瞬間的光和色彩 ➝ 印象主義想要捕捉一剎那的永恆
► 相機技術雖然還在起步階段，但是拍出的畫面仍然比繪畫逼真，對於長期以來用繪畫記錄事物的觀念，是一大衝擊
浮世繪 日本江戶時代的版畫，題材大多是市井小民的生活百態
📌 發展
19世紀時期，巴黎是歐洲油畫的中心，當時的繪畫風格是學院派主導的新古典主義，當時每年都要舉辦官方展覽「沙龍」，展覽的作品大部分來自於皇家繪畫暨雕刻學院，畫風嚴謹且細膩，題材大部分取材於室內
當時有一批畫家來自於各個階層，秉持著和學院派畫風不同的想法跟風格，他們認為古典主義千篇一律，缺乏個人的色彩，應該要提倡戶外寫生，有共同觀點的畫家們，逐漸聚集到巴黎郊區的一個小村莊巴比松（巴黎旁的楓丹白露鎮），他們沒事就描繪郊區的風光，而被叫作巴比松畫派，巴比松畫派被認為是印象派的前身
1874/4/15，有一群畫家展出了一直被沙龍排斥的作品，作品數量達165件，其中一幅莫內的作品「日出．印象」，被當時參觀的美術記者譏作畫只憑印象，後來這群畫家就以印象派畫家自稱
(日出，印象／Impression，Sunrise，莫內）
📌 印象派分期
初期 十九世紀中期
傳統繪畫的題材大多是神話、宗教、歷史故事為主，但是畫家們真的見過繪畫中的人物嗎？耶穌？聖母瑪莉亞？天使？這些大多都是憑畫家的想像，就算畫的是現實發生的事情（例如皇宮典禮），也是畫家打個草圖，回畫室後憑著印象和記憶慢慢雕琢，真實的光線、人物位置、色彩都一定和當時不同，有些畫家甚至還會加油添醋加自己的想像
但是印象派畫家追求的是將瞬間看到的東西立刻畫下來，因為一瞬間看到的一定是模糊的印象，畫出來的東西當然也會模糊，這和傳統繪畫經過長時間觀察、仔細描繪是迥然不同的
因為瞬間作畫、不打草稿、不素描，直接用色塊作畫，畫裡面的輪廓一定不清楚，甚至不調色直接用顏料管中的顏料作畫，因此顏料彩度高，畫面比較亮麗；因為大多在室外作畫，光線對畫的影響很重要，認為物體會隨光線變化而不斷的變色、變形
特色
► 題材受到浮世繪影響，不再以宗教故事、貴族皇宮生活為主，改成平民化的主題
► 為了畫出明亮的顏色，不混色直接用原色作畫
► 不認為自然界的物體在陽光下會是黑色的，陰影改用藍色、紫色取代黑色
► 注重光線對物體造成的影響＋注重看到物體的瞬間，不太重視外形的描寫
代表畫家
雷諾瓦（法國）
「畫是用來裝飾牆壁的，色調應該盡量豐富，對我來說畫應該顯得可愛、歡樂、美麗，生活中醜陋的東西已經夠多了，我們不該再雪上加霜，我喜歡那種能讓我漫步其中去撫摩小貓的畫作」
雷諾瓦與莫內是好朋友，兩個人常常一起寫生同樣的風景，下面兩幅同樣的風景畫，雷諾瓦採用比較粉的色調，散發出柔和氣息，莫內筆觸則是比較肯定
（青蛙潭／La Grenouillere，雷諾瓦）
（蛙潭／La Grenouillere，莫內）
雷諾瓦其他著名的畫作
（煎餅磨坊的舞會／Ball at the Moulin de la Galette，雷諾瓦）
（傘／The Unbrellas，雷諾瓦)
（船上的午宴／Luncheon of the Boating Party，雷諾瓦）
➝ 雖然人物輪廓清晰，但是篷子外的模糊景色仍然可以看出印象畫派的手筆
雷諾瓦也常常以女性為主題作畫
（浴女／The Great Bathers，雷諾瓦)
（整理頭髮的浴女／Bather Arranging Her Hair，雷諾瓦)
（鋼琴前的少女／Girls at the Piano，雷諾瓦)
（黛安娜／Diana，雷諾瓦 )
莫內（法國）
「如果你到室外作畫，試著忘卻眼前的物體，不論它是一株樹、一片田野，只要想像這兒是小方塊的藍，那兒是長方形的粉紅，這兒是長條紋的黃，照著認為的顏色和形狀去畫，直到符合你自己對景物本來的印象」
莫內是早期印象派的創立者之一，終其一生堅持印象主義的原則和目標，也是唯一生前獲得大眾認可的印象主義畫家；莫內的風景畫完全以視覺感官為優先，忽視了傳統的作畫概念，例如構圖、題材、潤飾等…
莫內著名的繪畫…
（日出，印象／Impression，Sunrise，莫內）
莫內創作的主教堂系列畫作，陽光照射在主教堂的單調灰暗的牆壁上，不同光線會產生不同的效果，激發莫內畫同一主題的油畫；下面兩幅畫描繪了教堂從清晨到黃昏，不同光線造成的不同景象，完全符合莫內的作畫風格，同一個主題在不同的光線和空氣下，變化無窮的外觀
（日光下的盧昂主教堂，莫內）
（清晨下的盧昂主教堂，莫內）
新印象派 使用科學的方法，利用光的色散或組合，將色彩分解成好幾種顏色，利用原色小點構圖作畫，保持色彩本身的純度和明度，畫面色調非常鮮明活潑，新印象派也稱為點描派（Pointillism）或是分割派（Division-ism）
點描畫遠看的時候是一個顏色，近看的時候是一個個的色點，當觀賞者遠看繪畫的時候，光線會把這些色點重新組合起來
秀拉（法國） 點描派代表畫家，新印象派的重要人物，擅長把映入眼簾的顏色分成好幾種基本原色，再使用無數個原色小點在畫布上表現出來
秀拉著名的繪畫…
（午後的嘉德島／Sunday Afternoon on the Island of la Grande Jatt，秀拉）
（阿尼埃爾浴場／Bathers at Asnieres，秀拉）
後印象派 因為印象派只追求光線或空氣對色彩的影響，越來越不重視畫中的受光物體，後來的畫家對於這種只依賴視覺和科學分析的畫法感到厭膩，例如塞尚、高更、梵谷等
定義 十九世紀末至二十世紀時期，塞尚、梵谷、高更等三人創作，在他們都過世後，才被後人稱為後印象派
共同點是每個人都有自己的一段印象派時期，後來反對把物體分解成「光」和「色」，回復事物的「真實性」；三個人都是從印象派走出來，再去反對印象派，覺得印象派對於光與色的描寫太偏於視覺感知，忽略了對象本身 ➝ 太注重客觀表現（光、色），忽略了主觀表現
他們希望用主觀將視覺外的層面表現出來，例如畫一顆蘋果，不只是觀察光線照在蘋果上對於色彩的變化，更注重蘋果的本身
特色
► 不滿印象派對於光線的濫用、色彩的分解
► 強調畫家對於畫作題材主觀感受，將精神層面表現出來
代表畫家
塞尚（法國） 現代繪畫之父，塞尚認為印象派沒有把握實體，只是在畫布上塗了一層好看的顏色，希望繪畫可以表現出物體的結構、重量感，對後來的立體派造成影響
► 立體主義：畫家要從自然中尋找圓椎體、球體、圓柱體
「使印象主義能夠像美術館中的藝術品一樣，堅實且歷久彌新」「當色彩的豐盛達到極致時，形式也就跟著充實起來」
► 不論畫中的主題多平庸無奇、多微不足道，都應該要有自己的位置和存在的價值
► 構圖時，畫中的所有東西必須要符合畫面需求，畫面要有完整性，必要時可以不顧現實，把物體變形或是改變視點 ➝ 如果蘋果不該擺放在這個位置，就稍微移動位置；或是為了畫面空間的完整，把人的手臂拉長
賽尚著名的畫作…
（玩紙牌的人／The Card Players，塞尚）
（馬塞港灣／The Bay of Marseilles，塞尚）
「與地平線平行的線能造成寬度感、垂直地平線的線能給以深度感；對於人類來說，大自然不是平面而是深度，因此我們用表現光的顫動的紅色和藍色，補充適當數量的淡藍色調子，藉以形成空氣的質感」
（聖維克多山／Mont Sainte-Victoire，塞尚）
➝ 這幅畫的風格已經有點立體主義的影子了！
（靜物／Still Life with Apples and Oranges，塞尚）
高更（法國）
► 喜歡勾勒線條、平塗色塊、裝飾性構圖的畫風
► 色彩運用很主觀，已經拋棄理性的色彩，因此樹葉不一定是綠色、天空不一定是藍色，全憑畫家想要什麼樣的顏色 ➝ 用色大膽的風格影響了後來的野獸派
► 作品偏向原始風格，帶點熱帶風光、熱帶神秘感
► 高更不喜歡都市文明，嚮往蠻荒生活，認為人類應該要拋棄文明，反璞歸真回到原始生活，才可以得到救贖，因此晚年到大溪地去養老，高更的許多作品可以看到原始自然景象
高更著名的畫作，可以看到大膽、主觀的用色…
（市集／The Market，高更）
➝ 後面景物的型態跟我們認知不太一樣，背景是用來裝飾這幅畫的，不用講求真實性
（黃色的基督／The Yellow Christ，高更）
➝ 耶穌不是黃種人，可是繪畫中耶穌的皮膚是黃色的、樹木是紅色的，表示用色已經脫離客觀，高更想要畫什麼顏色就選擇什麼顏色
（Where Do We Come From? What Are We? Where Are We Going?）
➝ 這幅畫的第一觀感，是不是充滿了神秘的色彩呢，這就是高更的畫風特色！
（你何時嫁人／When Will You Marry ，高更）
➝ 高更典型的繪畫風格，平塗色塊、勾勒線條、顏色主觀大膽
（布道後的幻觉）
➝ 繪畫中那片大片紅色背景，能代表天空？代表大地？不論是什麼，我們第一眼看到的就是這片紅色，色彩不再是自然景物的描繪，而是可以直接表達畫家內心的情感！
梵谷（荷蘭） 非常有名的荷蘭後印象派畫家，梵谷大約27歲時才開始畫家生涯，不過在人生的最後十年，創作出超過二千幅的作品，包含約900幅油畫與1100幅素描；人生最後十年的時光，梵谷的生活非常貧困，生前僅僅售出一幅油畫，靠著弟弟西奧進行不間斷、無私的經濟援助
► 很少用混色
► 強烈色彩、扭曲筆觸，完完全全表達梵谷內心的情感，尤其後期作品充分表現出深受精神折磨的狀態，這種風格影響了後來的表現主義
梵谷著名的畫作…
早期畫作 搬入巴黎以前（1885年前） ➝ 早期梵谷的繪畫特色是用色陰暗（暗灰色系）、筆觸凝重，描繪主題主要是農民、農務
（吃馬鈴薯的人／The Potato Eaters）
➝ 梵谷早期的畫作，可以看到明暗對比的應用、厚重的顏料、缺乏光澤的顏色
巴黎時期 （1886－1888）在巴黎遇見印象派的繪畫後，也開始在自己的調色盤中加入明亮的色彩，筆觸也大膽起來
梵谷曾經說過：「在盎凡爾時，我還不知道什麼叫印象派，現在我才見到，而且仔細看了一番。雖然我沒有加入他們的圈子，卻十分欣賞他們的一些作品」
在巴黎這段時間結識了好友高更，1888年末梵谷完成許多巴黎相關的畫作，也厭倦了巴黎的生活，打算離開這個城市
阿爾勒（亞耳）時期 1888年二月前往法國南部的阿爾勒旅居，同年九月搬入了「黃屋」，靠著弟弟西奧提供的生活費，把住宅布置一新，希望將黃屋打造成夢想中藝術家的聚居地，寫了很多封信邀請他的朋友們來切磋藝術，只有高更因為受到梵谷弟弟西奧的鼓勵，同年十一月高更搬進了「黃屋」和梵谷同住
美國曾經推出「梵谷臥房」的房型，房間內部色調與裝潢完完全全按照畫中所興建，引起一股搶訂房型的風潮
（黃色房屋／The Yellow House）
（在阿爾的臥室／The Bedroom at Arles）
➝ 梵谷不只畫出臥室，甚至連自己坐的椅子和高更使用的椅子也被列入題材中
「我這次畫的只是我的臥室。這幅畫一切由色彩來當家，透過色彩表現出休息或睡眠的氛圍，一走進這個房間，想像力就可以得到休息，四四方方的家具表現臥室不應該受到干擾的寧靜」
梵谷剛到新的地方，什麼都是新鮮的，為了尋找心中的陽光，1888年八月，在阿爾勒小鎮畫出一系列的向日葵油畫，其中兩幅畫有15朵向日葵、一幅有14朵，另外兩幅有12朵，全部作品都畫在 93＊72 公分（37＊28 英吋）的帆布上；梵谷在1888年八月畫了第一幅15朵的向日葵和第一幅12朵的向日葵，其餘作品都在翌年一月完成
（花瓶裡的十二朵向日葵／1888年八月，藏於德國慕尼黑新美術館）
（花瓶裡的十五朵向日葵／1888年八月，藏於英國倫敦國家美術館）
（花瓶裡的十五朵向日葵／1889年一月，藏於荷蘭阿姆斯特丹梵古博物館）
（花瓶裡的十四朵向日葵／1889年一月，藏於日本東京損保日本東鄉青兒美術）
（花瓶裡的十二朵向日葵／1889年一月，藏於美國費城費城美術館）
下面兩幅畫是梵谷在阿爾勒時期流連忘返的咖啡館，這間咖啡館也成為旅客到南法旅遊必備的景點之一
（夜晚露天咖啡座／Cafe Terrace at Night）
（夜間咖啡館／Night Cafe ）
「這就是他們在這裡的午夜咖啡館，夜遊者如果付不起住宿費，或是爛醉如泥，到處被拒之於門外，都可以在這裡落腳；我想在這幅畫中，表現咖啡館是一個使人墮落、喪失理智、犯罪的地方，因此我選用淡紅、血紅、酒糟色、路易十五綠、石青、橄欖綠、刺眼的青綠形成強烈對比，造成一種氣氛，好似魔鬼的硫磺火爐，表現出下等酒店裡暗的力量」
（隆河的星夜）（Starry Night Over the Rhone）
➝ 流經阿爾勒的隆河（Rhone）是法國五大河流之首
割耳事件 梵古跟高更因為個性不合，兩人的關係逐漸惡化，多次引發爭吵，在1888年12月聖誕節前夕，一次劇烈爭吵後高更憤而離去，梵谷因為情緒激動導致精神異常，在12／23晚上揮著剃刀割下自己的耳朵，之後自己包紮傷口，把割下來的耳朵打包送給了他和高更都認識的一位當地妓女，後來梵古跟高更從此就沒有再見面了
（割掉耳朵後的自畫像／Self－Portrait with Bandaged Ear）
梵谷因為割下耳朵被認為精神異常，而住進了阿爾勒市立醫院，療養期間梵谷仍然繼續作畫，下面這幅畫中的醫院在二次大戰被砲火摧毀，醫院的重建是按照梵谷的畫為藍圖的
（阿爾勒醫院的庭院／The Courtyard of the Hospital at Arles）
聖雷米精神病院時期 1889年梵谷離開阿爾勒，自願住進了聖雷米精神病院，梵谷在裡面有兩個房間，其中一個當作畫室，趁著精神病發作的間歇期拼命工作，精神病院和周邊景色成爲了這段時期作品的主題，例如赫赫有名的星夜
（星夜／The Starry Night）
➝ 畫面上藍色和粗重筆觸勾勒出的星體銀河漩渦，可以看出藏在梵谷心中的深度憂鬱；畫作左下方的柏樹，好像黑暗的巨型火焰不斷往上延燒，表現出梵谷心中的躁動不安
「真正的真實，不僅存在於外面世界，也存在於心靈」
（兩棵絲柏樹／Two Cypresse）
➝ 絲柏樹常常出現在梵谷後期的繪畫中，取代了向日葵；畫中植物像黑色的火焰，直直的衝上雲霄，就好像梵谷的內心世界，一股想要衝破深受精神疾病困擾的自己
生命末年 1890年五月時梵谷到巴黎北邊的村莊「奧維爾」接受治療，人生的最後一年梵谷開始懷念北方的家鄉，憑著記憶畫出許多北方的景色
（奧維爾的教堂／The Church at Auvers）
➝ 奧維爾教堂是梵谷死前大約一個月畫的作品，這座教堂現在還保持原樣，矗立在奧維爾當地，可以確定是梵谷當年看著它畫下的；畫面左下方的婦女戴的帽子，被認為是梵谷家鄉荷蘭的服飾，可以看出梵谷真的想家了
（麥田群鴉／Wheat Field with Crows）
➝ 這幅畫可以看出梵谷內心的躁動不安，三條道路不知道通往何處？畫中的麥田延伸的非常寬廣、無窮無盡，群飛的烏鴉似乎預告著死亡；畫完這幅畫後，梵谷感到無比的空虛和絕望，在兩星期之後走向這幅畫中的麥田飲彈自盡
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